Reseña literaria de la obra "El Gatopardo”

Día: 24 de septiembre de 2026.

Obra: "El Gatopardo". Autor: Giuseppe Tomasi di Lampedusa

El Gatopardo, única novela del escritor italiano Giuseppe Tomasi di Lampedusa (Palermo, 1896-Roma, 1957), fue escrita entre 1954 y 1957 y publicada póstumamente. Ambientada principalmente en Sicilia durante el Risorgimento, comienza en 1860, con el desembarco de las tropas de Garibaldi, y narra la transformación política y social provocada por la unificación italiana. La obra representa el final de una época y la decadencia de la antigua aristocracia siciliana frente al ascenso de una nueva burguesía. En 1963 fue adaptada al cine por Luchino Visconti, contribuyendo a difundir la novela y su visión de la sociedad siciliana.

El protagonista, Don Fabrizio, príncipe de Salina, pertenece a una familia aristocrática que durante generaciones ha disfrutado de privilegios y poder, y está inspirado en el bisabuelo del autor. Es un hombre culto, inteligente y refinado, apasionado por la astronomía. La novela muestra a este noble siciliano en un momento de crisis que, aunque parte de los acontecimientos políticos de 1860, representa una decadencia más profunda y prolongada. A través de su mirada, pensamientos y experiencias, Lampedusa contempla «desde dentro» la progresiva desintegración de su familia y la desaparición del mundo al que pertenece.

La idea fundamental de la obra se resume en la famosa frase de Tancredi, sobrino de Don Fabrizio: «Si queremos que todo siga igual, es necesario que todo cambie». Este principio, conocido como gatopardismo, consiste en aceptar transformaciones políticas y sociales para conservar, en lo esencial, las estructuras de poder existentes. Tancredi participa en los cambios y después se adapta al nuevo régimen. Su matrimonio con Angélica, hija de Don Calogero Sedàra, simboliza la unión entre la antigua aristocracia y la nueva burguesía. Don Calogero representa precisamente a una clase emergente que sabe aprovechar las nuevas circunstancias para aumentar su riqueza e influencia.

Lampedusa representa esta transformación a través de los distintos grupos sociales: aristócratas, burgueses, campesinos, militares y religiosos. Don Fabrizio comprende que el patrimonio familiar acabará dividiéndose y que los nuevos actores sociales poseen una capacidad de adaptación de la que la aristocracia carece. Su pesimismo se refleja también en su visión de Sicilia y de los sicilianos, a quienes considera poco dispuestos al cambio: «los Sicilianos jamás querrán mejorar por la sencilla razón de que se creen perfectos; en ellos la vanidad es más fuerte que la miseria». Por ello, cuando rechaza el puesto de senador, expresa su desconfianza ante la capacidad de la nueva Italia para transformar profundamente la sociedad y la mentalidad de los sicilianos.

Uno de los momentos más simbólicos de la novela es el baile entre Don Fabrizio y Angélica en el palacio Ponteleone, que representa el encuentro entre dos mundos: ella encarna la juventud y el futuro, mientras que él representa una aristocracia que se aproxima a su final. Esta decadencia culmina con la muerte de Don Fabrizio en 1883 y se prolonga en la situación en que quedan sus hijas, décadas después, aferradas a los recuerdos y objetos de un mundo ya desaparecido.

En definitiva, El Gatopardo es una reflexión sobre el cambio histórico, la decadencia social y la capacidad de las élites para adaptarse y conservar parte de sus privilegios.Pero también es una meditación sobre el paso del tiempo y la muerte. Las descripciones de Lampedusa, su narrador omnisciente y el uso de la elipsis en el tiempo, muestran cómo, inevitablemente, todo aquello que parecía permanente termina convirtiéndose en tierra, polvo, sombra, humo y nada.

 

 Redacción de la reseña: Mª José García del Real   

Reseña literaria de la obra "Mientras agonizo”

Día: 25 de junio de 2026. 

Obra: "Mientras agonizo". Autor: William Faulkner

William Faulkner (1897–1962) fue uno de los escritores estadounidenses más importantes del siglo XX y una figura fundamental de la literatura contemporánea. Sus novelas, caracterizadas por la experimentación narrativa y la profundidad psicológica, le valieron el Premio Nobel de Literatura en 1949 e influyeron decisivamente en numerosos autores posteriores.

Publicada en 1930, “Mientras agonizo” está ambientada en el sur rural de Estados Unidos y refleja algunos de los problemas propios de esa sociedad, como la pobreza, la desigualdad, la decadencia de los valores tradicionales y los conflictos familiares. La novela, también, aborda temas como la muerte, la locura, el engaño, el pecado, la religión y la fragilidad de las relaciones humanas. La obra destaca por su innovadora estructura narrativa, construida a partir de quince narradores diferentes distribuidos en cincuenta y nueve capítulos. Faulkner emplea el monólogo interior y el flujo de conciencia para introducir al lector en la mente de los personajes y mostrar cómo cada uno interpreta la realidad desde su propia perspectiva. Gracias a este procedimiento, una historia aparentemente sencilla se convierte en una profunda exploración de la condición humana y de la complejidad de los vínculos familiares.

El título de la novela procede de un verso de la Odisea de Homero y alude a la lucha por la supervivencia. La trama gira en torno al último deseo de Addie Bundren, esposa de un humilde granjero de Misisipi, de ser enterrada en Jefferson, junto a su familia. Tras su muerte, su esposo Anse Bundren y sus hijos emprenden un largo y difícil viaje para cumplir esa voluntad y trasladar el cadáver a través del condado ficticio de Yoknapatawpha, en Misisipi. Durante el recorrido deben enfrentarse a numerosas dificultades que ponen a prueba su resistencia física y emocional y revelan los intereses, contradicciones y conflictos de cada miembro de la familia.

Cada personaje vive el viaje de manera distinta. Cash representa el esfuerzo y la responsabilidad al construir cuidadosamente el ataúd de su madre. Darl, el personaje más complejo, posee una gran capacidad de observación y una comprensión intuitiva de cuanto sucede a su alrededor. Jewel, hijo de Addie y del reverendo Whitfield, mantiene un intenso vínculo con su madre y logra salvar su cadáver de una inundación y de un incendio. Dewey Dell, embarazada, aprovecha el viaje para buscar una solución a su situación, mientras que Vardaman intenta comprender la muerte mediante una lógica infantil, resumida en la frase: “Mi madre es un pez”.

Uno de los capítulos más significativos es el narrado por la propia Addie después de su muerte. En él expone su visión pesimista de la existencia y recuerda las palabras de su padre: “La finalidad de la vida es prepararse a bien morir”. Además, cuestiona el valor del lenguaje, afirmando que palabras como “amor”, “pecado” o “maternidad”, no expresan la verdadera realidad y que solo los actos y el sufrimiento poseen un significado auténtico.

Al llegar a Jefferson, la familia queda definitivamente desintegrada. Anse aprovecha el viaje para conseguir una nueva dentadura y poco después del funeral aparece con una nueva esposa, mientras que Darl es internado en un hospital psiquiátrico.

En conclusión, Mientras agonizo constituye una de las obras más relevantes de la narrativa del siglo XX. Su original estructura, la multiplicidad de voces y la profundidad con la que explora la condición humana convierten esta novela en una reflexión sobre la subjetividad, la verdad y la complejidad de las relaciones familiares.

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real  

 

 

Reseña literaria de la obra "La llamada. Un retrato”

Día: 28 de mayo de 2026 

Obra: "La llamada. Un retrato. Autora: Leila Guerriero.

La llamada, publicada en 2024, es una obra de la periodista y escritora argentina Leila Guerriero (Junín, 1967). Reconstruye la vida de Silvia Labayru, superviviente de la dictadura militar argentina y exmilitante de la organización guerrillera Montoneros. En 1976 fue secuestrada cuando estaba embarazada de cinco meses y trasladada a la ESMA, uno de los principales centros de detención de la dictadura. Allí sufrió torturas, violaciones y trabajos forzados.

El episodio que da título a la obra ocurrió el 14 de marzo de 1977. Desde la ESMA obligaron a Silvia a llamar por teléfono a su padre, que era militar. Su familia la creía muerta, pero aquella conversación terminó salvándole la vida. Desde entonces, aquel episodio fue recordado como “el día de la resurrección”. Silvia Labayru sobrevivió gracias a diversas estrategias de adaptación, obediencia y simulación, decisiones que más tarde suscitaron sospechas y acusaciones de traición. Tras exiliarse en España en 1978, muchos compatriotas cuestionaron tanto su supervivencia como la relación forzada que mantuvo con algunos represores. De este modo, el exilio terminó convirtiéndose en una nueva forma de sufrimiento.

La autora presta especial atención a las consecuencias psicológicas del miedo y a la violencia sexual ejercida contra las mujeres detenidas. Silvia explica que en un campo de concentración no puede existir consentimiento, pues cualquier relación está condicionada por la amenaza constante de la muerte. Guerriero muestra cómo muchas mujeres fueron obligadas y violadas por sus represores y cómo estos abusos permanecieron silenciados durante décadas. Labayru fue una de las primeras sobrevivientes en denunciarlo públicamente y posteriormente hubo una sentencia condenatoria para el violador. Más tarde la protagonista recordará: “Qué lugar tan pequeño para un infierno tan grande”.

Otro de los aspectos más destacados de La llamada es la manera en que Guerriero construye la narración de forma gradual y dosificada, así como el efecto que genera la incorporación directa de las voces de los entrevistados. El libro no sigue un orden cronológico ni está dividido en capítulos; por el contrario, avanza constantemente entre distintos momentos de la vida de Silvia Labayru. Esta estructura narrativa reproduce el funcionamiento de la memoria, que regresa una y otra vez sobre determinados acontecimientos ocurridos cuarenta años atrás y los reconstruye de manera fragmentaria, desordenada e incluso contradictoria.

Una de las claves de la obra reside en que Guerriero construye el retrato de Silvia a partir de una intensa labor de investigación, documentación y entrevistas a familiares, amigos y conocidos. El perfil va emergiendo progresivamente a través de su gran capacidad de observación y de la relación de confianza que establece con la protagonista, elementos indispensables para reconstruir un retrato tan complejo y doloroso. Por lo que, la periodista consigue acceder no solo a los hechos de su vida, sino también a sus dudas, contradicciones y emociones más profundas. La propia Guerriero refleja esa conexión cuando escribe: “Cada vez que vuelvo a encontrarla no parece desolada sino repleta de determinación: Voy a hacer esto, y lo voy a hacer contigo. Jamás le pregunto por qué”. Esta frase es una prueba del vínculo de respeto y complicidad que se desarrolla entre ambas y que sostiene gran parte de la fuerza narrativa de la obra.

Finalmente, La llamada no solo retrata los meses de secuestro de Silvia Labayru, sino también toda su vida posterior: sus relaciones familiares, su maternidad, sus vínculos afectivos y las secuelas emocionales que aún la acompañan. 

 Redacción de la reseña: Mª José García del Real 

Reseña literaria de la obra "Merlín y familia”

Día: 30 de abril de 2026. 

Obra: "Merlín y familia". Autor: Álvaro Cunqueiro

“Merlín y familia”, del escritor gallego Álvaro Cunqueiro (1911–1981), es una novela publicada en 1955 compuesta por una serie de relatos independientes unidos por una misma atmósfera mágica. En ella, más que la acción, importa el universo que se construye, donde realidad y fantasía se entremezclan mediante una constante reflexión sobre la memoria. La obra destaca por su originalidad, su riqueza léxica y su prosa barroca, influida por "Don Quijote de la Mancha" y cercana al estilo culto y gongorino de la Generación del 27.

Felipe de Amancia, antiguo paje de Merlín, actúa como narrador principal de la obra y, ya anciano, recuerda con nostalgia su infancia en la selva de Esmelle, en Galicia. A través de sus memorias, reflexiona sobre el paso del tiempo y sobre la dificultad de distinguir entre realidad e imaginación. Convertido simbólicamente en un barquero semejante a Caronte, evoca los años vividos junto a Merlín, quien, tras la muerte del rey Arturo, se instala en un pazo gallego donde trata de resolver los problemas de los personajes fantásticos que recibe: princesas encantadas, sirenas meláncolicas, enamorados o demonios disfrazados.

El escenario principal es Miranda, donde se encuentra la casa del mago Merlín, convertida en lugar de encuentro de estos personajes extraordinarios. Allí viven también doña Ginebra y varios criados. Aunque sabio y poderoso, Merlín aparece como una figura cercana y humana, más artesano que hechicero repara objetos, resuelve problemas y aconseja a quienes lo visitan, lo que contribuye a crear una atmósfera en la que lo cotidiano y lo fantástico se mezclan con naturalidad.

La estructura de la novela se divide en dos partes. En la primera, el anciano Felipe reconstruye sus recuerdos mediante una sucesión de relatos que se enlazan como los hilos de un tejido. En ellos se mezclan cuentos, hechos históricos, leyendas, verdades y ficciones, en un continuo juego entre realidad e invención ligado a sus experiencias infantiles en Esmelle y Miranda.

A lo largo de la obra se suceden numerosos episodios donde se combinan humor, fantasía y reflexión. Destacan historias como la de los quitasoles mágicos, el camino de Quita-y-Pon o la princesita transformada en cervatilla. En todas ellas, Merlín interviene con soluciones ingeniosas, aunque no siempre eficaces, lo que aporta al relato un tono humano e irónico. También son relevantes los relatos de viajeros, cargados de simbolismo y elementos fabulosos, en los que se funden realidad e invención y se percibe la influencia de la tradición oral. Asimismo, Felipe incorpora a la narración sus propias emociones —como su amor imposible por una sirena—, lo que añade un tono íntimo y sentimental a la novela.

La segunda parte, introducida por la metáfora machadiana del “camino que se hace al andar”, reúne historias de caminantes y viajeros que atraviesan parte de ese camino en la barca del protagonista. Así en la posada de Termar aparecen nuevas historias y temas como el amor, la culpa o el fanatismo. Finalmente, los apéndices completan la obra con información sobre la vida de Merlín e incluyen un índice onomástico de los personajes. En conjunto, la novela ofrece una visión poética de la vida, entendida como una mezcla de realidad y fantasía transformada por la memoria.

 

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real 

Reseña literaria de la obra "La ciudad de los prodigios”

Día: 26 de marzo de 2026 

Obra: "La ciudad de los prodigios". Autor: Eduardo Mendoza

Eduardo Mendoza (Barcelona, 1943) ha sido galardonado con el Premio Cervantes en 2016 y con el Princesa de Asturias de las Letras en 2025. En 1986 publicó “La ciudad de los prodigios”, una de las obras más emblemáticas de la literatura española, que ofrece un excelente retrato de la Barcelona de finales del siglo XIX y comienzos del XX.

El autor recurre a diversas fuentes históricas y utiliza un narrador omnisciente que introduce comentarios sobre la época. El estilo destaca por la ironía y el humor negro y, a lo largo del relato, se entrelazan acontecimientos, personajes reales y ficticios, así como historias del presente y del pasado. La novela combina géneros como el histórico, la picaresca y el realismo mágico, y presenta un estilo narrativo cinematográfico, con intriga y escenas dinámicas, además de un tono costumbrista y crítico, en el que la ciudad y la vida de sus habitantes desempeñan un papel fundamental.

El eje central de la trama es el ascenso de Onofre Bouvila, un personaje de origen humilde, que encarna el espíritu de la Barcelona que el autor pretende representar, a la que llega siendo muy joven. Carente de virtudes morales y casi sin saber leer, pero dotado de una inteligencia fría y una ambición desmedida, huye de la miseria rural y de un padre fracasado e inicia su carrera en los estratos más bajos: se aloja en una pensión miserable y sobrevive repartiendo panfletos anarquistas y vendiendo crecepelo falso. Su destino cambia cuando comienza a colaborar con el hampa local; a partir de entonces, mediante la extorsión, el chantaje, la violencia y los negocios turbios, se convierte en uno de los hombres más poderosos de Barcelona, controlando tanto los bajos fondos como las altas esferas del poder económico, enriqueciéndose mediante la especulación inmobiliaria, el tráfico de armas y también como empresario del cine, sacando provecho del nuevo espectáculo.

A pesar de su éxito, Onofre fracasa en el plano emocional, incapaz de establecer vínculos auténticos, como demuestran sus relaciones con Delfina, que lo apoya en sus inicios; con Margarita Figa, hija de su antiguo patrón, con quien se casa; y con María, símbolo de un amor sincero.

En la novela, la Barcelona modernista desempeña un papel protagonista por su capacidad para generar tanto prodigios como miserias. La ciudad experimenta una profunda transformación a partir de la Exposición Universal de 1888, en la que se muestran avances industriales, así como el desarrollo de la electricidad, la telefonía, los primeros automóviles y los globos aerostáticos, junto con los cambios culturales de la época, que la convierten en una metrópoli moderna y cosmopolita. El paisaje urbano también cambia notablemente con el derribo de las murallas, en un contexto de crecientes tensiones sociales entre el proletariado anarquista y la burguesía industrial, especulación inmobiliaria, conspiraciones políticas y un acusado contraste entre la riqueza de las élites y la pobreza de los barrios más desfavorecidos.

“La ciudad de los prodigios” culmina con la Exposición Internacional de 1929. Onofre desaparece convertido en una figura legendaria y casi espectral, dejando un legado de riqueza y poder, pero también de vacío personal y simbólico, mientras Barcelona consolidada pero vulnerable, continúa su evolución. “Después, la gente, al hacer historia, opinaba que en realidad el año en que Onofre Bouvila desapareció de Barcelona, la ciudad había entrado en franca decadencia”.

 

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real 
 

Reseña literaria de la obra "Carta a un niño que nunca nació”

Día: 26 de febrero de 2026

Obra: "Carta a un niño que nunca nació". Autora: Oriana Fallaci

Oriana Fallaci (Florencia, 1929–2006) no solo fue una escritora y activista italiana, sino también la primera mujer de su país en ejercer como corresponsal de guerra. Su trayectoria estuvo marcada por la cobertura de los grandes conflictos del siglo XX, donde forjó un estilo directo, audaz y profundamente personal. En 1975 publicó “Carta a un niño que nunca nació”, obra inspirada en su propia experiencia, en la que reivindica su forma de pensar y su posicionamiento ante la vida. El libro se convirtió en un fenómeno internacional: vendió millones de ejemplares y desató un intenso debate social.

La obra se articula como un monólogo íntimo, un diálogo consigo misma dirigido al niño que lleva dentro y que, como anticipa el título, no llegará a nacer. Desde el momento en que descubre esa “gota de vida” en su interior, se desencadena una profunda angustia existencial y una reflexión constante sobre la tensión entre la ambición profesional y la maternidad, sobre el sentido de la existencia en un mundo hostil y sobre el temor de traer a alguien a una realidad atravesada por la injusticia. Fallaci explora el impacto de un embarazo no planificado y de alto riesgo en la vida de una mujer sola. Se trata de un texto audaz que aborda la maternidad desde una perspectiva crítica, analizando sus implicaciones tanto en el ámbito profesional - donde denuncia el acoso laboral - como en el personal, visibilizando la maternidad en solitario, históricamente impensable y estigmatizada.

A través de este relato, la autora compone una crónica social desgarradora que denuncia injusticias y desigualdades, en consonancia con su trayectoria de activista incansable. Aunque la protagonista afirma apostar por la vida bajo la premisa de que “nada es peor que la nada”, su defensa convive con el miedo y la culpa. El relato oscila constantemente entre la ilusión y el desgarro. El embarazo la enfrenta a un dilema radical: ¿es justo dar la vida en un mundo marcado por la violencia y la desigualdad? ¿Tiene derecho a negarla para preservar su libertad? La novela funciona también como una crítica desde una perspectiva feminista. Fallaci profundiza en el conflicto entre la responsabilidad individual y el derecho de la mujer a decidir. “Conmigo se quedan quietos, callados, o sueltan consideraciones acerca del aborto”, señala, evidenciando la incomodidad social que rodea su decisión. La protagonista quiebra el canon tradicional de la maternidad entendida como obligación y la reivindica como una elección libre, no como un deber. En un pasaje, imagina un juicio interior en el que intervienen amigos, el médico que le prohibió abandonar el hospital, sus padres, su amante e incluso el propio niño, quienes la acusan de “homicidio premeditado”.

A través de fábulas - como la de la magnolia o la del chocolate -, la narradora advierte a su hijo sobre la crueldad del mundo y proyecta una visión pesimista en la que todo cambia para seguir siendo igual. Sin embargo, también deja espacio para el optimismo y mantiene abiertas las puertas a la libertad como ejercicio vital. El cierre es contundente y despojado de sentimentalismo: la vida, como fuerza abstracta, no necesita de ningún individuo en particular. Los seres humanos mueren, pero la vida continúa su curso.

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real 

Presentación del libro “Mielgos” de José Ibáñez Zaragoza

Día: 6 de febrero de 2026

Asistentes: 60

La sala Pureza, del Centro Cívico Las Columnas, se lleno de amigos y amigas del escritor que
presentó su segunda novela “Mielgos” junto con su hijo Juan de Dios y la presidenta de la
Asociación Arteapuntas, María Lourdes García Barros.

Un libro que nos cuenta la historia de dos hermanos gemelos separados cuando eran
pequeños y que se encuentran pasados los 37. Organizado en 51 capítulos unidos hacia una resolución final pero que cada uno cuenta una historia.

¡Felicidades Pepe, por este bonito proyecto! ¡Vamos a por la tercera!

 

Reseña literaria de la obra "Las pequeñas virtudes”

Día: 29 de enero de 2026 

Obra: "Las pequeñas virtudes". Autora: Natalia Ginzburg 

Natalia Ginzburg (Palermo, 1916 - Roma, 1991) fue una autora y política italiana polifacética, de origen judío y firmemente antifascista, al igual que su marido, Leone Ginzburg. Las vidas de ambos estuvieron marcadas por el exilio. Ginzburg fue una mujer optimista y vital, con una gran capacidad para escribir lo que pensaba y expresarlo con naturalidad y sencillez. “Las pequeñas virtudes”, publicado en 1962, es una colección de once ensayos autobiográficos. 

En la primera parte, durante el exilio describe la soledad, la espera y la pobreza en “Invierno en Abruzos”. Es un texto melancólico: una época que antes le parecía monótona y que, tras la muerte de su marido, es cuando se da cuenta de que había sido la mejor de su vida. Con el relato “Los zapatos rotos” muestra como la carencia de recursos moldea el carácter, la manera de mirar el mundo, las relaciones con los demás, y las huellas que deja esa experiencia incluso cuando la pobreza ha quedado atrás. También, la autora rinde homenaje a Cesare Pavese, construyendo un relato íntimo y sobrio, en “Retrato de un amigo”. A través de sus recuerdos, refleja la soledad, el silencio y la fragilidad del escritor, así como su visión trágica de la vida, estableciendo un paralelismo entre el carácter de Pavese y la ciudad de Turín, que tanto amó y despreció. A través de su mirada extranjera, en “Alabanza y menosprecio de Inglaterra”, reflexiona sobre las diferencias culturales, combinando elogio y crítica: destaca la organización y la riqueza cultural del país, pero también la frialdad de sus relaciones humanas y la rigidez social. Uno de los capítulos más divertido es “Él y yo” donde retrata con humor y seriedad las diferencias y la convivencia con su segundo marido, mostrando los choques de caracteres, de gustos y de cultura, logrando encontrar un equilibrio en esa discordancia.

En la segunda parte, en el relato “El hijo del hombre” narra los sentimientos de quienes son perseguidos desde los primeros años del fascismo. En “Mi oficio” cuenta su evolución como escritora, sus equivocaciones y cómo, en sus inicios, quiso escribir como un hombre. Describe su vocación íntima, más ligada a una necesidad vital que al éxito. Ginzburg reflexiona sobre “El silencio”, como uno de los vicios más graves de su época. Distingue entre el silencio interior y el que se da en relación con los demás, y analiza las estrategias que las personas emplean para huir de él. El silencio puede ser tanto un refugio como una forma de distancia capaz de destruir las relaciones humanas. El mayor riesgo de los vínculos es el estancamiento, y así relata cómo la historia de “Las relaciones humanas” no está jamás acabada en nosotros, cuando las relaciones se vuelven demasiado naturales y fáciles, pierden su riqueza y se transforman en rutina y costumbres.

Finalmente, en “Las pequeñas virtudes” sobre la educación de los hijos, la autora nos dice que no debemos enseñar las pequeñas virtudes: prudencia, ahorro, astucia, diplomacia o deseo de éxito, que forman a seres mediocres; sino las grandes virtudes: generosidad e indiferencia respecto al dinero, valentía, amor a la verdad o el deseo de saber y ser, que forman seres humanos íntegros. Y concluye que para ayudar a los hijos a encontrar una vocación, es esencial “tener una vocación nosotros mismos, conocerla, amarla y servirla con pasión, porque el amor a la vida engendra amor a la vida”. 

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

Reseña literaria de la obra "Botchan”

Día: 17 de diciembre de 2025

Obra: "Botchan". Autor: Sōseki Natsume

Botchan, publicada en 1906, es la segunda novela del escritor japonés Natsume Sōseki (1867–1916), figura clave de la literatura japonesa. La obra, con claros elementos autobiográficos, relata las experiencias de un joven profesor de matemáticas que deja Tokio para trabajar en un instituto situado en una zona rural de la isla de Shikoku. A través de un tono humorístico y satírico, y estructurada en once capítulos, Sōseki construye una crítica profunda de la hipocresía social y moral de la sociedad japonesa durante la era Meiji, una etapa marcada por la modernización y por el conflicto entre tradición y occidentalización.

Botchan, que significa en japonés “niño mimado”, es un joven impulsivo, despreocupado, audaz e inteligente. Tal como se afirma en la obra, “el carácter de Botchan es recto, flexible y resistente como el de una vara de bambú”. Sin embargo, pronto se enfrenta a una realidad hostil. Desde su llegada, sufre las burlas de los alumnos y se enfrenta a un ambiente escolar marcado por intrigas y corrupción moral entre el profesorado. El contraste entre la gran ciudad y la provincia se convierte en uno de los ejes centrales de la novela: el protagonista choca con un entorno rural que, lejos de ser sencillo y honesto, se revela malicioso e hipócrita. Como él mismo confiesa, “me pregunté con disgusto qué se me había perdido a mí en un lugar tan provinciano y tan cerrado como aquel”. No obstante, acaba descubriendo que, más que un héroe moral, es un inocente e inadaptado social frente a los verdaderos pícaros que resultan ser sus compañeros de instituto, caricaturizados de manera muy descriptiva.

Narrada en primera persona, la obra presenta a Botchan como un antihéroe íntegro e incapaz de tolerar la injusticia o la mentira. Su crítica alcanza incluso a la prensa: “¡Los periódicos están repletos de mentiras y fantasías!”. Esta franqueza lo conduce constantemente al conflicto. En este sentido, la novela puede leerse como un relato de aprendizaje en el que el protagonista, desde su inocencia inicial, adquiere una mayor comprensión de la complejidad moral del mundo. Algunos rasgos remiten a la novela picaresca, como la narración retrospectiva, las anticipaciones del desenlace y el aprendizaje a través del engaño y de experiencias adversas.

Dentro del microcosmos escolar, Botchan encuentra pocos aliados. El “Puercoespín” se convierte en su único amigo sincero, en contraste con figuras como “Camisaroja”, el antagonista principal: un intelectual elitista cuya admiración por la cultura occidental encubre una profunda carencia de valores. Su intento de arrebatarle la prometida a “Uranari” constituye el núcleo del conflicto moral de la obra. Frente a él aparecen víctimas de la injusticia, como “Calabaza”, obligado a dimitir, y destaca especialmente Kiyo, la criada que cuidó a Botchan desde niño y que encarna la lealtad, la honradez y la auténtica moral tradicional. Ella se presenta como la verdadera representante de una sociedad honorable.

Finalmente, incapaz de soportar la corrupción del entorno, Botchan decide actuar conforme a su propio sentido de la justicia y regresa a Tokio, donde lleva una vida modesta pero honesta junto a Kiyo. Botchan es una obra fundamental del primer período de Sōseki y una lectura obligatoria en Japón. Bajo su aparente sencillez, encierra una aguda crítica social y moral, utilizando el humor y la caricatura para cuestionar las apariencias, educar a los jóvenes lectores y reivindicar la integridad individual frente a una sociedad viciada.

 

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

Reseña literaria de la obra "De noche, bajo el puente de piedra”

Día: 27 de noviembre de 2025

Obra: "De noche, bajo el puente de piedra". Autor: Leo Perutz

“De noche, bajo el puente de piedra” (1953) es una novela del escritor austríaco de origen judío Leo Perutz (1882-1957), cuya formación matemática marca de manera notable su manera de narrar. La obra reúne catorce relatos enlazados entre sí y situados en la Praga de los siglos XVI y principios del XVII. En ellos confluyen dos mundos: la corte del emperador Rodolfo II y el gueto judío gobernado por Mordejai Meisl y el gran rabino Judah Loew. Combinando historia, misterio y fantasía, la novela evoca un antiguo mundo judaico, teñido de tradición, arcaísmo y misticismo. Praga se convierte en un personaje más: en sus calles cobran vida personajes secundarios y pintorescos, así como un intrincado entramado de relaciones entre las distintas capas sociales, gremios y oficios, donde aparecen también alquimistas, mendigos y artistas. Todos conviven en un espacio atravesado por venganzas, profecías, injusticias y traiciones. Perutz expone, en la obra, la tensión constante de la época, entre ciencia, magia y superstición, así como el peso del dinero y las amenazas que se ciernen sobre la paz y la religión.

Relatos como “Peste en el barrio judío”, “La mesa del emperador”, “El coloquio de los perros”, “La zarabanda”, “Enrique, el del infierno” y “El tálero robado” abordan la epidemia en el gueto, la fragilidad humana ante la desgracia, la culpa colectiva y las humillaciones sufridas por los judíos. La novela retrata a Rodolfo II como un emperador excéntrico, obsesionado con el arte, la astrología y la alquimia, más inclinado hacia el ocultismo que al gobierno. Su consuelo son sus colecciones de objetos maravillosos y los sueños en los que aparece Esther, la esposa de Meisl. Aunque nunca se encuentran en la realidad, un conjuro secreto permite que sus almas se unan durante el sueño. El relato que da nombre al libro “De noche, bajo el puente de piedra” es de los más bellos y poéticos. En “El pintor Brabanzio”, Perutz ofrece una reflexión sobre el arte; en “La estrella de Wallenstein” aparece el gran matemático y astrónomo Johannes Kepler; y en “El alquimista olvidado” se muestra el ascenso de Meisl como prestamista protegido del emperador y su asociación con el siniestro mayordomo Philipp Lang.

El tono se vuelve más sombrío en “Los fieles del emperador” y “La vela consumida”: la guerra, la pobreza y la enfermedad consumen al emperador y al gueto. Esther muere, Rodolfo se hunde en la soledad, y Europa se desgarra con la Guerra de los Treinta Años. Meisl, abatido por el dolor, renuncia a todos sus bienes y los dona al gueto, frustrando los planes del emperador de apropiarse de su herencia. En “El ángel Asael” se revela finalmente el misterio: el rabino Loew había unido mágicamente los destinos de Rodolfo y Esther para evitar la expulsión de los judíos, plantando junto al puente de piedra, un rosal y un romero. El gran rabino alteró con su magia y conjuros el orden natural del mundo. Aquí se aprecia claramente la influencia de la Cábala y del mito del Golem.

En el “Epílogo” final el narrador relata como, siglos después, su maestro Jakob Meisl, descendiente del poderoso comerciante, le mostró el testamento de Mordejai Meisl. Este descubrimiento, unido a la demolición del antiguo gueto constituye el cierre de la novela. 

Las historias que sobreviven bajo el puente de piedra, demuestran que el tiempo no destruye aquello que fue verdaderamente humano.

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

Reseña literaria de la obra " Los ojos vendados”

 Día: 30 de octubre de 2025
 Obra: "Los ojos vendados". Autora: Siri Hustvedt

Siri Hustvedt (Northfield, Minnesota, 1955) es una destacada novelista, ensayista y poeta estadounidense. Experta en neurociencia y psicoanálisis, ha compartido su brillante trayectoria literaria con su vida junto a su esposo, el escritor Paul Auster. En 2019 fue galardonada con el Premio Princesa de Asturias de las Letras. En 1992 publicó su primera novela, Los ojos vendados, escrita en primera persona, en la que la autora establece un fuerte vínculo con su protagonista, Iris Vegan —nombre que, leído al revés, es el suyo propio—. La obra es una profunda reflexión sobre la identidad, la locura, el lenguaje, la fragmentación del yo y la irracionalidad de las relaciones humanas. Así mismo, temas como el mal, la falsedad, la crueldad, los placeres perversos, la relación entre el arte y la realidad o la precariedad laboral, atraviesan toda la narración.

La autora construye cuatro relatos entrelazados en torno a Iris Vegan, una estudiante de literatura de escasos recursos que deambula por el Nueva York de finales de los setenta. La ciudad adquiere el papel de un personaje más, íntimamente vinculada a los distintos momentos de la vida de Iris y a sus cambiantes estados de ánimo, en una narrativa siempre en movimiento. Las relaciones destructivas empujan a la protagonista hacia una profunda crisis personal, llevándola a vivir experiencias que la conducen a explorar los límites entre la realidad y la ficción, la cordura y la locura.

En el primer relato es contratada por el misterioso señor Morning para describir objetos pertenecientes a una mujer asesinada. Al adoptar un nombre falso, “Davidsen”, comienza a perder el rumbo, “veo en esa mentira el inicio de todo, una especie de puerta a mi inestabilidad”. En el segundo, se insinuá una atracción entre Iris y George, el fotógrafo, amigo de Stephen, un amante cruel y manipulador. Estas relaciones la sumen en la confusión y la arrastran a una crisis de identidad provocada por una fotografía en la que no se reconoce. En el tercero, tras sufrir intensos ataques de migraña, Iris es internada en un hospital psiquiátrico donde reflexiona sobre su enfermedad y sobre la imposibilidad del lenguaje para expresar el malestar interior. Allí comparte habitación con una anciana que también había sufrido una crisis nerviosa “acabé trazando la senda de la locura de la señora O. como si fuera asunto mío”. En el cuarto relato acepta trabajar con su profesor Rose, quien le encarga traducir a un autor alemán. El texto cuenta la historia de Klaus, un joven sádico. A medida que avanza en la traducción, Iris se obsesiona con el personaje y adopta su identidad masculina como técnica de supervivencia: se reinventa, se corta
el pelo y deambula por las calles y bares nocturnos de Nueva York, disfrazada de hombre, mientras empieza a sentir, igual que Klaus, impulsos perversos.

Finalmente, después de todas sus crisis y sintiéndose perdida y al límite, Iris se enfrenta a su fragilidad emocional y a la constante negación de sí misma. Es, a partir de ese momento, cuando decide arrancarse la venda de sus ojos para intentar mirar en su interior y descubrir quien es realmente, antes de desaparecer por las calles de Nueva York.

 Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

Reseña literaria de la obra "En busca del tiempo perdido. Por el camino de Swann"

Día: 25 de septiembre de 2025

Obra: " En busca del tiempo perdido. Por el camino de Swann". Autor: Marcel Proust

Marcel Proust (París 1871-1922), novelista de una gran influencia en la literatura, la filosofía y el arte, publicó, en 1913, "Por el camino de Swann", el primer volumen de la serie de siete libros: "En busca del tiempo perdido". En la obra, que le valió el Premio Goncourt en 1919, el autor reflexiona sobre su pasado y, con una excepcional prosa poética, logra evocar los lugares y las sensaciones de cada momento. Es de destacar la técnica narrativa de Proust, el uso personal que hace del lenguaje, la técnica del libre fluir de la conciencia, y la concepción del espacio y del tiempo como dimensiones independientes. La novela, de trascendencia universal, es un retrato social del mundo de la alta burguesía y aristocracia francesa de principios del siglo XX, explora el tiempo, la memoria, el pasado, el amor apasionado... y ofrece profundas reflexiones sobre el arte.

La novela es el mundo de Proust, el que él nos está dejando mirar con sus ojos. El niño Proust vive en medio de un mar de adultos en "Combray", donde sus recuerdos son descritos con una gran riqueza de detalles: la iglesia, la vida en casa de su tía Léonide, sus paseos por el pueblo y por los caminos de Swann y de Guermantes, que representan dos mundos diferentes, su obsesión por el beso de su madre, los nenúfares del río Vivone. etc. El acto de sumergir una magdalena en una taza de té, desata en él las impresiones del recuerdo, que, por medio de la memoria involuntaria, le transporta súbitamente a su infancia, construyendo un universo lleno de detalles y sensaciones.

Una novela dentro de la novela es “Un amor de Swann”, donde Proust narra la naturaleza del deseo, los celos y el sufrimiento. Charles Swann, un burgués rico y refinado, muestra un amor atormentado por Odette de Crécy, una mujer de dudosa reputación social. El autor realiza un profundo estudio sobre la naturaleza destructiva y obsesiva del amor. Swann es aceptado en el círculo de la Sra. Verdurin, dueña de un lujoso salón parisino, donde una pequeña frase musical evoca la esencia de su amor, y cuando la oye, revive la emoción y la belleza de los primeros momentos con Odette, antes de que los celos envenenaran la relación. Para Proust, la música, igual que el sabor de la magdalena, tiene el poder de propagarse en el tiempo y evocar emociones puras.

En la tercera parte: “Nombres de lugares: el nombre”, Proust convierte la ensoñación, en una descripción profunda y sistemática. El narrador reflexiona sobre el poder de los nombres de lugares y las fantasías que estos evocan. También relata su primer amor, idealizando a Gilberte, la hija de Swann y Odette, convirtiéndola en objeto de una pasión inocente e intensa. Sus juegos y encuentros en los Campos Elíseos son momentos de felicidad, quedando cautivado por su encanto, al mismo tiempo que su nombre y su persona le produce ansiedad. A lo largo de toda la obra la descripción física la acompaña del entorno con la vivencia de los sentidos, la realidad se forma en la memoria sensitiva. “Los sitios que hemos conocido no pertenecen tampoco a ese mundo del espacio donde los situamos para mayor facilidad. Y no eran más que una delgada capa, entre otras muchas, de las impresiones que formaban nuestra vida de entonces...”.

 

 Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

Reseña literaria de la obra "El rumor de la montaña"

Día: 24 de abril de 2025

Obra: "El rumor de la montaña". Autor: Yasunari Kawabata

"El rumor de la montaña", obra maestra del primer Premio Nobel japonés Yasunari Kawabata (1899-1972), fue publicada entre 1949 y 1954. A través de los pensamientos del protagonista, la novela profundiza en temas universales como la fragilidad y la brevedad de la vida, el amor, la memoria, la soledad, la muerte y el paso del tiempo. También aborda la homosexualidad, la infidelidad, el erotismo, la prostitución y el suicidio. El autor ofrece, además, una visión de los profundos cambios sociales que experimentó Japón tras la Segunda Guerra Mundial, con la adopción de nuevas costumbres de influencia occidental y una transformación en la estructura familiar.

Kawabata describe la vida cotidiana de la familia Ogata. El protagonista Shingo, un hombre de 62 años que trabaja en Tokio en la misma compañía que su hijo, comienza a experimentar lapsus de memoria, sueños perturbadores y la extraña percepción de sonidos, como un "rumor" proveniente de la montaña. Esta sensación, que asocia con la proximidad de la muerte, le lleva a reflexionar sobre la falta de armonía familiar: su hijo Shuichi está casado con la bella y afectuosa Kikuko, que mantiene un estrecho vínculo paternal con Shingo, todos viven en el mismo hogar familiar, al que regresa su hija Fusako, con sus dos niñas, separada de un marido con problemas de adicción y que cuestiona a su padre por haberle impuesto un matrimonio concertado. Su hijo, simultáneamente, mantiene una relación con una viuda de guerra a la que deja embarazada. En este cargado ambiente familiar, Shingo se siente culpable por los matrimonios fallidos de sus hijos, recuerda continuamente su antigua atracción por su bella cuñada y encuentra armonía y serenidad en el silencioso sufrimiento de su nuera. La tensa dinámica familiar se revela a través de diálogos cargados de reproches por el aborto provocado de Kikuko por la infidelidad de Shuichi y por la falta de afecto de Shingo hacia su hija y nietas, culminando en la desesperada exclamación de Yasuko, la matriarca: “Ojalá el tifón nos llevara a todos”."

Todas estas contradicciones emocionales, que marcan la vida de los personajes, contrastan con la búsqueda de la belleza en lo cotidiano y en la naturaleza: girasoles, lirios, arces, lotos, orquídeas, bambú o el cerezo en flor -símbolo de la fragilidad y brevedad de la vida con profundas raíces en el budismo- enriquecen la obra. Las conversaciones se centran en elementos naturales: la montaña, los insectos, las mariposas, las cigarras o el milano que regresa cada año. Kawabata entreteje en su obra referencias culturales japonesas – como el ritual del té, la música, la pintura, los quimonos, las geishas, las máscaras, los grabados y los haikus-. Con ello, profundiza en la comprensión del mundo interior de los personajes dentro de su tradición cultural y también menciona a artistas, pintores, poetas, novelistas y músicos. Además, el mundo exterior irrumpe en la casa de Shingo a través de la lectura de periódicos y la inclusión de historias a modo de cuentos.

Hacia el final de la obra, una reunión familiar, en una visita a la casa heredada de Yasuko, insinúa un acercamiento de los personajes y una vuelta a los orígenes de una familia que va cambiando con el paso de los acontecimientos, aunque los problemas siguen latentes. En la esencia de la novela, Kawabata nos recuerda que “La felicidad podría relacionarse simplemente con un instante fugaz”.

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

Reseña literaria de la obra "Baumgartner"

Día: 27 de marzo de 2025
Obra: "Baumgartner". Autor: Paul Auster

 

Paul Auster (1947 - 2024) novelista, ensayista, traductor y guionista neoyorquino, es reconocido como uno de los escritores más destacados del panorama literario mundial. El año antes de su muerte, en 2023, publicó Baumgartner, una novela conmovedora y profunda que escribió mientras luchaba contra el cáncer.

La obra narra la historia de Sy Baumgartner, un profesor de filosofía de cierta edad, al que le ha llegado la hora de jubilarse, autor de nueve libros que intenta sobrellevar la pérdida de su esposa, la escritora y traductora Anna Blume, que había fallecido hacía una década. Entre la aceptación de su ausencia y la dificultad de seguir adelante, enfrenta los reveses de la vida: “Baumgartner sigue sintiendo, amando, ansiando, teniendo ganas de vivir, pero en lo más recóndito de su ser está muerto”. Mantiene siempre vivo el recuerdo de Anna, publica un libro de poemas que él mismo recopiló y sueña que habla con ella a través de un teléfono rojo sin línea, creando así un diálogo entre el pasado y el presente. Pero Baumgartner también busca compañía y calor humano. Así aparecen otros personajes en la obra: Molly, la repartidora negra de libros a domicilio; Judith, cuya presencia en la historia permite explorar el amor, la pérdida y las complejidades de las relaciones humanas; y Beatrix Coen, una joven investigadora, que ayudará a mantener viva la memoria de Anna y su legado.

Fiel a su estilo, P. Auster incorpora elementos autobiográficos en la narración, entrelazando recuerdos de momentos felices y episodios dolorosos de su vida en pareja, con los detalles de su vida cotidiana. La profundidad de los sentimientos familiares resuena con una fuerza conmovedora en relatos como el de los ideales frustrados de su padre un anarquista y soñador desdichado, o en la evocación de la feliz infancia de su madre y en los cuentos que él inventaba para su hermana. Estos pasajes de la infancia y adolescencia de Baumgartner se funden con fragmentos autobiográficos de Anna, como la historia de “Frankie Boyle” y con relatos de sus vidas juveniles. Todo ello se mezcla con narraciones maravillosas, como el encuentro de una niña de guantes blancos en un tren a Washington en 1968, o la visión de un chico en un antiguo metro de París. Además la obra incluye relatos insertos, en la línea de El Quijote, como “Los lobos de Stanislav” donde narra su viaje a Ucrania en 2017 y que concluye con una pregunta existencial: "¿Qué creer cuando no estás seguro de que un presunto hecho sea o no verdad?”, o “Cadena perpetua”, donde el protagonista narra una alegoría de su propia vida, condenado a escribir sin tregua. Paralelamente, Baumgartner se sumerge en una monografía sobre los seudónimos de Kierkegaard y también desarrolla "Misterios de la rueda", un proyecto diferente a los anteriores.

En definitiva, Auster, a través de su singular técnica narrativa, construye un mosaico de relatos, reflexiones y recuerdos entrelazados con referencias históricas, adoptando la ficción como una nueva forma de realidad e invitando al lector a meditar sobre temas universales: el amor, la pérdida, la memoria, la soledad, el duelo, la muerte, el azar y el dolor, entendido como parte intrínseca de la vida: “Vivir es sentir dolor... y vivir con miedo al dolor es negarse a vivir”.

 

Redacción de la reseña: Mª José García del Real
 

Reseña literaria de la obra "Una dama neoyorquina"

Día: 27 de febrero de 2025

Obra: "Una dama neoyorquina". Autora: Dorothy Parker


“Una dama neoyorquina” es una colección de dieciséis cuentos cortos de la escritora Dorothy Parker (Nueva York, 1893-1967) publicados en prestigiosas revistas estadounidenses: “The New Yorker”, “Harper’s Bazaar” o “Esquire”. Los escritos abarcan desde los años 20, la década de los 30 durante la Gran Depresión y el período de entreguerras, hasta la década de 1950. La autora, defensora de la igualdad y de los derechos sociales, fue investigada por pertenecer al Partido Comunista de EEUU y con la caza de brujas llegó a aparecer en la Lista Negra. Parker era una mujer compleja y llena de contradicciones, fue protagonista de animadas tertulias y fiestas, a las que acudían numerosos personajes de la bohemia neoyorquina. Tuvo problemas con el alcohol, intentó suicidarse varias veces y murió sola, en una habitación de hotel de Manhattan.

En sus relatos, la autora retrata su vida y sus circunstancias personales y muestra una profunda crítica a la sociedad americana. Así, en “Sólo uno cortito”, cuenta la visita a una taberna ilegal, en tiempo de la ley seca; otros cuentos tratan de la guerra: “El permiso maravilloso”, donde relata la complicada relación entre una joven esposa y un soldado con el que apenas ha convivido; en “Canto a la bata, 1941” una señora impulsada por la compasión y el deber, sacrifica su bienestar personal cosiendo batas para hospitales; en “Soldados de la República” Parker, defensora de la causa republicana, había viajado a España, y narra la desolación de la guerra civil, desde un café de Valencia.

Su narrativa frívola y mordaz, se refleja en sus relatos ingeniosos y divertidos, mostrando en sus diálogos el cinismo y la tristeza de las relaciones humanas, la insatisfacción y la incomunicación de las parejas, los amores desesperados o la banalidad de las mujeres de clase alta, como en el “Diario de una dama neoyorquina”. La autora supo también captar las rupturas, los adioses y las soledades, en el relato “Vivo de tus visitas”. El cuento, “Nivel de vida” tiene un paralelismo con la obra “Desayuno con diamantes” de Truman Capote. Otros cuentos están narrados con una profunda melancolía como “Corazón de natillas”, donde una dama practica su falsa piedad y “en su saloncito encontraba refugio. Allí, su corazón se curaba de los golpes del mundo y quedaba entero, reservado a su propia pena”. En “El rayo que no cae” refleja la falsedad del estilo de vida americano, descrito con una valiosa capacidad de crítica, y en el cuento “La señora Hofstadter ...” una pareja sufre un fuerte desgaste emocional, debido al hombre de color que habían contratado a su servicio.

En definitiva, las protagonistas, de Dorothy Parker, eran heroínas desencantadas, mujeres decepcionadas o perdidas que luchaban por ser ellas mismas y que estaban en contra de los convencionalismos impuestos. Van accediendo al mundo del trabajo, al mismo tiempo que se van cansando de representar el papel de ser las mujeres perfectas y divertidas, las madres o amas de casa que siempre habían sido para los hombres y comienzan, aunque de manera muy tímida, a abrazar otros ideales.


Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

 

Reseña literaria de la obra "Desgracia"

Día: 30 de enero de 2025.

Obra: "Desgracia". Autor: John Maxwell Coetzee

El Nobel de Literatura 2003 John. M. Coetzee (Ciudad del Cabo 1940) publica, en 1999, “Desgracia”, una dramática historia sobre los retos de reconstruir un nuevo orden, en la Sudafrica post-apartheid, en una sociedad todavía cargada de prejuicios, tensiones raciales, desigualdad y odio. La obra es, también, una reflexión sobre la crisis existencial de un hombre que busca una razón para vivir, en un mundo donde los hombres blancos, como él, ya no tienen el poder y las ventajas que antes habían gozado. Diversos temas recorren la novela como la violencia sexual, el bienestar animal, la vergüenza personal, la subyugación de las mujeres... En ella, Coetzee, utilizando una prosa muy personal, precisa y rigurosa, da una gran relevancia al lenguaje, el de los hombres, el de los animales y también al silencio, como forma de comunicación. “La sociedad humana ha creado el lenguaje para que podamos comunicarnos nuestros pensamientos, sentimientos e intenciones”.

“Desgracia” está contada desde la perspectiva de David Lurie, sudafricano de 52 años, dos veces divorciado, profesor de la Universidad de Ciudad del Cabo, especializado en el romanticismo inglés e influido por Wordsworth y Byron. A Lurie su trabajo ya casi no le interesa, es un personaje totalmente alejado de la realidad y “quijotesco”, busca constantemente formas de satisfacer sus irresistibles impulsos sexuales: “me convertí en un sirviente de Eros”. Se perciben las contradicciones entre la
persona y el profesor. Su vida se viene abajo, cuando salta a la luz su relación, con intimidad forzada, con una de sus alumnas. Ante la investigación por acoso sexual, su defensa “se apoya en los derechos del deseo”, no pide disculpas y se ve obligado a dejar la Universidad. Lurie renuncia a todo y se refugia en la apartada granja en la provincia del Cabo Oriental de su hija Lucy. Con el cambio de escenario, el protagonista cambia de vida, dedicado a la agricultura y al cuidado de mascotas ajenas y, se enfrenta a su propia decadencia, al espíritu independiente de su hija y a la vida rural y salvaje, donde domina la escasez y donde poseer cualquier cosa es un riesgo.

La historia da un giro y Coetzee pone a sus personajes en una situación extrema, cuando tres hombres de color violan salvajemente a Lucy. Para Lurie, todo su mundo anterior sus creencias, conclusiones y contradicciones, dejan de tener sentido ante la brutalidad de la realidad. Se siente invadido por la desesperación “estoy sumido en una desgracia de la que no será nada fácil que salga por mis propios medios”. En Sudáfrica “la piedad y el terror son de todo punto irrelevantes”, la violencia racial, la tensión entre los negros y la minoría de blancos es un hecho palpable y, así, la agresión termina incluso por pasar desapercibida. Lucy, la única persona con la que Lurie podía comunicarse, mantiene silencio, se niega a denunciar la violación, no hay palabras para la reparación, se siente humillada y aprende a aceptar y a empezar de cero. Ante el anuncio del embarazo y la negación a abortar, todos los principios de Lurie, el honor, el derecho al silencio o la dignidad, ya no significan nada, tampoco le interesa crear otra ópera de ideales intimistas. Al final de la novela, el protagonista empieza de nuevo, termina buscando la humanidad y la conciencia y acepta las decisiones de su hija y la nueva realidad.

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

Reseña literaria de la obra "Lo que está y no se usa nos fulminará"

Día: 19 de diciembre de 2024

Obra: "Lo que está y no se usa nos fulminará". Autor: Patricio Pron

El escritor y crítico literario Patricio Pron (Rosario, Argentina, 1975), que cuenta con importantes premios literarios, que ha sido traducido a más de una docena de idiomas y que en la actualidad escribe en "Babelia" (El País), en La Vanguardia ..., publica, en 2018, doce cuentos con el título: “Lo que está y no se usa nos fulminará”, con una enorme variedad temática: el paso del tiempo, los recuerdos, las segundas oportunidades, la suplantación de la personalidad..., desarrollando en su narrativa, igual que en cualquier otra disciplina artística, un amplio terreno para la experimentación y la creación.

El texto de su primer cuento “Salón des Refusés” muestra una constante corrección de la trama, en letra cursiva, como si de un borrador se tratara, cambiando, dudando y planteando las diferentes variantes que tiene una historia de ser contada. En “Oh, invierno, sé benigno”, a través de las respuestas a un cuestionario de ingreso a los EE.UU, se manifiesta, con humor, como no podría rellenarlo un personaje de la antigua RDA. En “Notas para un perfil de Tinder”, el autor piensa en un par de frases para presentarse a esta red social. En “Uno de esos padres”, rescata cuentos de la tradición oral. En el relato “La repetición”, Pron utiliza diálogos en inglés o portugués, para contar la nostalgia del personaje que regresa a Brasil intentado reconstruir una noche, cuarenta años atrás, en la que fue feliz. También hay textos políticos, en “Un divorcio de 1974”, donde relata la represión militar y las luchas ideológicas en la Argentina de los años setenta. “Este es el futuro que tanto temías en el pasado”, es una reflexión sobre la identidad del autor en el mercado editorial, incorporándose él mismo como personaje y jugando con el doble, para salvarse de ir a las presentaciones de sus propios libros.

Pron emplea símiles con la música, que le permite ir a nuevos lugares. El título del cuento “Las luces sobre su rostro”, se repite a lo largo del relato con un esquema rítmico igual que los estribillos de las canciones. La música también ha inspirado, el título de la obra “Lo que está y no se usa nos fulminará” que pertenece al estribillo de una canción de la banda de rock argentina “Invisible” de 1974. El relato “He's not selling any alibis” lo realiza a partir de notas al pie de página y así, inspirándose en Bod Dylan, que puede hacer infinitas versiones de un mismo tema, él muestra “las limitaciones de la pintura y la superioridad de la música”. Otras disciplinas artísticas están presentes en su libro: en el modo en el que sucede el relato infantil ”Lo que contó la niña”, se pueden apreciar movimientos de cámara de cine, a través de cada elemento al que se le va transmitiendo un secreto. También hace participe de la obra a la poesía, en el cuento “La bondad de los extraños”, donde un poeta chileno destroza una habitación de hotel en Alemania y cuando se va dice: “No soy experto en mañanas, pero te puedo decir que esta es una de las más hermosas que he visto en mi vida”.

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

 

 

 

 

Reseña literaria de la obra "Un verdor terrible"

Día: 28 de noviembre de 2024

Obra: "Un verdor terrible". Autor: Benjamín Labaut

El escritor y periodista chileno Benjamín Labatut (Róterdam 1980) publica, en 2020, "Un verdor terrible", obra de gran éxito literario, traducida a veintidós idiomas. Esta historia de ciencia y ficción cuenta con un trabajo magníficamente documentado y, a modo de ensayo, el autor narra la vida y las investigaciones de memorables científicos, muchos de ellos galardonados con el Premio Nobel. Labatout muestra la visión que ellos tienen en el momento del descubrimiento y nos enseña cómo la búsqueda de resultados, traducidos en fórmulas, han traído importantes cambios a la humanidad.

Labatout revela cómo algunos descubrimientos, realizados con una buena finalidad, acaban siendo utilizados con fines destructivos. En el siglo XVIII, Diesbach crea el color “azul de Prusia”, que es usado por artistas de toda Europa. A partir de este pigmento se descubre el cianuro que luego encontró aplicación en la fabricación de pesticidas. El químico alemán Fritz Haber, en 1907, logra aislar el nitrógeno del aire, para la fabricaron de fertilizantes, revolucionando la producción de alimentos y solucionando las hambrunas de la época, pero temía que su método alterara el equilibrio de la naturaleza bajo un verdor terrible. Haber es considerado el "padre de la guerra química" por sus trabajos con gases venenosos, empleados como armas durante La Gran Guerra. Posteriormente, el pesticida fue utilizado para crear el gas letal Zyklon, que los nazis usaron en los campos de exterminio.

El relato continua con la carta que el astrofísico Schwarzschild le envía a Einstein desde el frente de batalla de la Primera Guerra Mundial, que contenía una solución exacta a sus ecuaciones de la relatividad general: “la singularidad de Schwarzschild”, que entonces no fue bien entendida y décadas después se le llamó “los agujeros negros”. En otro capítulo relata la capacidad de abstracción del matemático Grothendieck, al que sus exploraciones le llevaron al aislamiento y a la locura. El autor también penetra en la revolución científica llevada a cabo por los pioneros de la mecánica cuántica, que observaron cómo las leyes de Newton no servían en el interior de los átomos. Y, así, el físico austríaco Schrödinger, en 1926, expone su modelo atómico, por el cual las partículas tenían un comportamiento similar al de las ondas. En la conferencia de Solvay (Bruselas, 1927), Heisenberg y Bohr presentaron las primeras formulaciones de la mecánica cuántica, que había generado el principio de incertidumbre, que Einstein rechazó contestando: “¡Dios no juega a los dados con el universo!”. En 1939, el gobierno de Hitler ordena a Heisenberg investigar para construir una bomba nuclear, que no desarrolló. En 1945, casi no podía creer que estallara el bombardeo atómico sobre Hiroshima.

En el epílogo, el autor habla con un jardinero, que había sido matemático, sobre cómo las matemáticas estaban cambiando el mundo y de cómo la mecánica cuántica “ha transformado nuestro mundo hasta volverlo irreconocible” incluso para los propios científicos.

Redacción de la reseña: Mª José García del Real

Reseña literaria de la obra "El bosque de la noche"

Día: 31 de octubre de 2024 

Obra: "El bosque de la noche". Autora: Djuna Barnes

La escritora, ilustradora y periodista neoyorquina Djuna Barnes (1892-1982) residió en París en el período de entreguerras, donde tuvo una vida bohemia y mantuvo una larga relación con la artista estadounidense Thelma Wood, a la que consideró el amor de su vida. También se relacionó con intelectuales y artistas de la talla de Charles Chaplin, Marcel Duchamp, Hemingway, Gertrude Stein, Henry Miller, Natalie Barney o James Joyce. Barnes, influenciada por la eclosión de los movimientos vanguardistas (modernismo, simbolismo, surrealismo...), publica en 1936 su obra culmen “El bosque de la noche”. Novela insólita y autobiográfica, la vida de la autora se refleja en su lenguaje: descripciones, metáforas, símbolos, monólogos o diálogos, y su propio yo domina un paisaje poético sembrado de desdicha. T. S. Eliot afirma en el prólogo del libro: “gustará especialmente a los amantes de la poesía”. Djuna Barnes retrata el alma humana y los sentimientos destapando la pasión y el deseo como el único sentido de la vida de unos personajes, apartados del mundo, desesperados y en cuyo interior hay heridas abiertas por amores imposibles.

La gran protagonista de la obra es la noche, con todo lo que contiene de oscuridad, degradación, turbulencias o ausencias, "La noche le hace algo a la identidad de la persona", “No encontraremos consuelo hasta que la noche se diluya, hasta que la furia de la noche extinga su fuego”. La novela narra, por un lado, la vida de la joven rebelde Robin Vote (personaje basado en la figura de Thelma Wood), que genera una gran ausencia en el resto de personajes dependientes emocionalmente de ella y, por otro, los esfuerzos que realizan por retenerla: el trastornado falso barón, judío, vienés, Felix Volkbein, que para continuar con las tradiciones de la nobleza se casa con Robin, que pronto le abandona, dejándolo en una absoluta oscuridad para el resto de su vida, junto a un niño “febril, enfermo y quejumbroso”; la abnegada Nora Floody (con la que se identifica la propia autora), que se siente amada por algo extraño que la ha olvidado, al mismo tiempo que va consolando a las mujeres a las que Robin ha ido abandonando; y la usurpadora Jenny Petherbridge, cuatro veces viuda.

Todos estos personajes de ambientes diversos pertenecientes a la aristocracia y a la bohemia, mantienen unas relaciones atormentadas, que son el caldo de cultivo para el extravagante, erudito y homosexual doctor Matthew O’Connor, que se mueve en la ilegalidad y que se describe a sí mismo como un permanente error de la naturaleza, siendo el eje y el testigo de la historia con sus monólogos dialogados y con una capacidad verbal deslumbrante que proporciona la parte más filosófica de la novela, aunque el mismo reconoce: "Mi relato tiene un hilo conductor, pero te costará trabajo descubrirlo". Los personajes confían sus penas al doctor tratando de buscar respuestas, sin conseguirlas y él, como un psicoanalista, intenta “sacarles de la entraña la angustia mortal”, al mismo tiempo que va revelando su propio sufrimiento.“Por eso yo, el doctor O’Connor, te digo: … obra en tu corazón y cuida a quien amas, porque un amante que muere, por olvidado que esté, se lleva a la tumba algo de ti”.

Redacción de la reseña: María José García del Real